Todo comenzó con una protesta en un periódico comercial. Jerry Wexler acuñó el término rhythm and blues en 1947 mientras editaba listas para Billboard. Estaba cansado de ver discos de artistas negros etiquetados con nombres degradantes como “Harlem Hit Parade”, “Sepia” o “Race”. Entonces cambió el idioma. El 17 de junio de 1949, la revista cambió oficialmente el nombre del gráfico. Ya había estado usando la nueva frase en artículos de noticias durante dos años antes, pero el cambio de nombre oficial la consolidó en la historia.
Esto no fue solo un cambio de título. Marcó el nacimiento de un género que se tragaría entero al rock and roll.
El sonido de la sofisticación urbana
¿Qué era exactamente esta música?
Piense en un sonido urbano sofisticado. Se venía gestando desde los años 1930. Louis Jordan lideró la carga. Sus pequeños combos tocaban discos de blues con un toque especial. La letra era divertida. Los ritmos eran alegres. Le debía tanto al piano boogie-woogie como a las formas clásicas del blues del Delta.
Los críticos suelen llamar a esto jump blues. Marcó el patrón de la música popular negra dominante durante la Segunda Guerra Mundial y siguió dominando las ondas durante años.
Jordan no estaba solo. La escena estaba llena de talento.
- Amos Milburn
-Roy Milton
-Jimmy Liggins
-Joe Liggins
-Floyd Dixon - Wynonie Harris
- Gran Joe Turner
-Charles Brown
Estos artistas definieron la época. Sus repertorios eran diversos. Muchas pistas siguieron la clásica estructura de blues A-A-B de 12 compases. Pero también tocaron canciones puramente pop. Algunos temas eran instrumentales que se acercaban al jazz ligero. Otros se sumergieron en composiciones pseudolatinas. Fue un desastre. Fue vibrante. Era nuevo.
Cómo evolucionó el Rhythm and Blues más allá de la Big Band
La división del Rhythm and Blues no fue sólo una cuestión de sonido. Se trataba de tamaño.
El R&B de grandes grupos se basó en la infraestructura de las grandes bandas. Cantantes como los vocalistas de Lucky Millinder o el coro de Count Basie (que incluía a Turner y Jimmy Witherspoon) fueron contratados. Fueron a lo seguro. Lo jugaron duro.
Luego vinieron los grupos pequeños. Cinco o siete miembros. No hay una gran sección de bocinas que frene a todos. En estas configuraciones, todos tuvieron un turno. El grupo de Milton es el ejemplo clásico. Milton tocó la batería y cantó. Camille Howard tomó el piano y el micrófono. Los saxofonistas (tenor y alto) rotaron en puestos solistas.
Pero había una regla.
No toques la guitarra.
Si aparecía una guitarra, marcaba el tiempo. Eso es todo. Hacer solos de guitarra se consideraba “country”. No sofisticado. Nada sofisticado.
Charles Brown llevó esto al extremo. Con Three Blazers de Johnny Moore, y más tarde como su propio líder de banda, la configuración era austera. Piano. Bajo. Guitarra. ¿Pero los solos? Sólo Brown tocó las teclas. La guitarra quedó en un segundo plano. Fue una declaración.
El cambio de Los Ángeles a Nueva York
Las primeras grabaciones ocurrieron en Los Ángeles. Sellos como Modern, RPM y Specialty eran dueños del mercado. Pequeñas indias. Sonidos locales.
Entonces Atlantic Records cambió el juego.
Fundada en 1947 por Ahmet Ertegun y Herb Abramson. Ertegun era hijo de un diplomático turco. Un aficionado al jazz. Abramson conocía el negocio. Juntos, trasladaron el centro de gravedad de la industria a la ciudad de Nueva York.
En 1953, Jerry Wexler se incorporó como socio. Él y Ertegun impulsaron el ritmo y el blues con intención. Contrataron músicos de jazz para trabajar en el estudio. Les importaba cómo sonaban los discos. Tom Dowd, el ingeniero, aseguró la claridad.
Atlantic no se limitó a grabar. Lanzaron carreras.
Trajeron a Ruth Brown. La Vern Baker. Firmaron a Ray Charles. Charles estaba imitando a Charles Brown en ese momento. Atlantic lo ayudó a pivotar. Ese pivote se convirtió en alma.
Wexler y Ertegun también trabajaron con Clyde McPhatter y Chuck Willis. Ambos eran gigantes a principios de los años cincuenta.
Otras ciudades también importaban.
King Records en Cincinnati. Chess y Vee Jay en Chicago. Duque/Pavo Real en Houston. Sun Records en Memphis, antes de que Sam Phillips persiguiera a Elvis y al rockabilly. J&M Studio en Nueva Orleans grabó muchos éxitos para esos sellos de Los Ángeles. El mapa se estaba ampliando.
La gran divergencia: R&B versus Rock and Roll
A mediados de la década de 1950, las líneas se difuminaron.
El Rhythm and Blues dejó de ser música para adolescentes. Se convirtió en música popular negra para todos los demás. El rock and roll, por su parte, se centró en los primeros amores. Conflicto entre padres e hijos. Un ritmo más pesado y menos sutil.
Entonces, ¿quién calificó para qué gráfico?
¿Grupos de doo-wop? Rock and roll. ¿Pequeño Ricardo? Rock and roll. ¿Hank Ballard y los Midnighters? Rock and roll.
Pero las reglas eran suaves. La mayoría de los artistas lanzaron discos que encajan en ambas categorías. Dinah Washington, vista más tarde como un ícono del jazz, apareció en las listas de R&B. Los instrumentos instrumentales de saxofón de Joe Houston, Chuck Higgins y Sam (“The Man”) Taylor se mantuvieron en la tradición del R&B. Sin embargo, los disc jockeys los utilizaron como tema musical para la radio de rock and roll.
La edad de la audiencia definió el género.
¿Oyentes mayores? Blues eléctrico de Chicago y Memphis. Aguas Fangosas. Lobo aullador. B.B. Rey. Aunque no tenían nada en común con los gritónes del pasado, fueron etiquetados como R&B porque atraían a los adultos. King fue un caso atípico. Usaba cuernos cuando podía. Miró más hacia atrás que hacia adelante.
Ike Turner cerró la brecha.
Un pianista convertido en guitarrista de Mississippi. Buscó talentos para las discográficas. Estuvo al frente de los Reyes del Ritmo. Cuando se casó con Anna Mae Bullock y le cambió el nombre a Tina, llegó la Ike and Tina Turner Revue.
Modernizaron el sonido. Sin cuernos. Coristas femeninas inspiradas en las Raelettes de Ray Charles. Fue más apretado. Más difícil.
El fin de una era
En 1960, el ritmo y el blues estaban envejeciendo.
No estaba muerto. Simplemente cansado.
Washington. Carlos. Rut Marrón. Ahora tocaban en clubes nocturnos. No las revistas multiartistas que los hicieron famosos.
Surgieron nuevos nombres. Jackie Wilson. Sam Cook. Tenían una deuda con la generación anterior. Pero fueron de transición. Al igual que Charles, estaban construyendo alma.
La señal oficial del cambio se produjo en 1969.
El 23 de agosto, Billboard cambió el nombre de la lista de pop Black. Ya no era ritmo y blues. Era alma.
Alma se convirtió en el término preferido.
Pero el R&B no desapareció. Se demoró. En algunos rincones, todavía se refiere a casi todos los géneros de la música negra posterior a la Segunda Guerra Mundial. Un amplio paraguas. Un fantasma persistente.
La música siguió adelante. La etiqueta quedó atrás.
El sello rhythm and blues cambió de marcha por completo después de que los Beatles abrieron la puerta de una patada. Los grupos británicos no se limitaron a copiar el sonido; redefinieron lo que significaba el término.
Tomemos como ejemplo a los Rolling Stones. No estaban tocando puro blues de Chicago. Lo mezclaban con rock and roll negro y lo llamaban R&B de todos modos. Fue tanto un movimiento de marketing como musical.
“Hoy en día, una banda que se promociona como Rhythm and Blues casi seguramente sigue esta tradición en lugar de la de los primeros pioneros”.
Incluso los Who, que estaban profundamente arraigados en la escena del mod rock, calificaron sus primeros conciertos como “Máximo R&B”. ¿Por qué? Para atraer una multitud. Funcionó.
¿Quién estuvo incluido en el sello R&B?
Esta ola británica creó una nueva rúbrica. No se trataba sólo de los puristas del blues.
- Los animales
- Ellos
- Las cosas bonitas
Estos actos se apegaron a la etiqueta R&B. Pero no fue universal. Bluesbreakers de John Mayall y Fleetwood Mac prefirieron el descriptor más simple de “banda de blues”. La distinción importaba en cómo los percibía el público.
El legado es claro. Si ve un grupo moderno reclamando el título de R&B, probablemente se esté haciendo eco de esa estrategia de invasión británica. No los pioneros afroamericanos originales de la década de 1940. Pero la reinterpretación británica post-Beatles.
La definición se mantuvo porque el marketing funcionó mejor que la historia.
