Es begann mit einem Protest in einer Fachzeitschrift. Jerry Wexler prägte 1947 den Begriff „Rhythm and Blues“, als er die Charts für „Billboard“ redigierte. Er hatte es satt, Platten schwarzer Künstler mit erniedrigenden Namen wie „Harlem Hit Parade“, „Sepia“ oder „Race“ zu sehen. Also änderte er die Sprache. Am 17. Juni 1949 benannte das Magazin die Tabelle offiziell um. Der neue Ausdruck wurde bereits zwei Jahre zuvor in Nachrichtenartikeln verwendet, aber die offizielle Umbenennung verankerte ihn in der Geschichte.
Dabei handelte es sich nicht nur um einen Titeltausch. Es war die Geburtsstunde eines Genres, das den Rock’n’Roll komplett verschlingen sollte.
Der Sound urbaner Eleganz
Was genau war diese Musik?
Denken Sie an anspruchsvollen urbanen Sound. Es wurde seit den 1930er Jahren gebraut. Louis Jordan führte den Angriff an. Seine kleinen Combos spielten Blues-basierte Platten mit einem gewissen Etwas. Die Texte waren humorvoll. Die Rhythmen waren fröhlich. Es war sowohl dem Boogie-Woogie-Klavier als auch den klassischen Formen des Delta-Blues zu verdanken.
Kritiker nennen dies oft „Jump Blues“. Sie legte den Grundstein für die vorherrschende schwarze Popmusik während des Zweiten Weltkriegs und beherrschte noch Jahre danach die Radiowellen.
Jordan war nicht allein. Die Szene war voller Talente.
- Amos Milburn
- Roy Milton
- Jimmy Liggins
- Joe Liggins
- Floyd Dixon
- Wynonie Harris
- Big Joe Turner
- Charles Brown
Diese Künstler prägten die Ära. Ihr Repertoire war vielfältig. Viele Tracks folgten der klassischen 12-taktigen A-A-B-Blues-Struktur. Sie spielten aber auch reine Popsongs. Bei einigen Nummern handelte es sich um Instrumentalstücke, die sich in der Nähe des leichten Jazz bewegten. Andere beschäftigten sich mit pseudolateinischen Kompositionen. Es war chaotisch. Es war lebendig. Es war neu.
Wie sich Rhythm and Blues über die Big Band hinaus entwickelte
Bei der Spaltung im Rhythm and Blues ging es nicht nur um den Klang. Es ging um die Größe.
R&B großer Gruppen stützte sich auf die Infrastruktur von Big Bands. Sänger wie die Sänger von Lucky Millinder oder der Chor von Count Basie (zu dem Turner und Jimmy Witherspoon gehörten) wurden engagiert. Sie gingen auf Nummer sicher. Sie spielten knapp.
Dann kamen die Kleingruppen. Fünf oder sieben Mitglieder. Keine große Bläsergruppe hält alle zurück. Bei diesen Konstellationen war jeder an der Reihe. Miltons Gruppe ist das klassische Beispiel. Milton schlug Schlagzeug und sang. Camille Howard übernahm das Klavier und das Mikrofon. Die Saxofonisten – Tenor und Alt – wechselten sich durch Solopositionen ab.
Aber es gab eine Regel.
Fass die Gitarre nicht an.
Wenn eine Gitarre auftauchte, blieb sie im Takt. Das ist es. Das Solospiel auf der Gitarre galt als „Country“. Ungekünstelt. Uncool.
Charles Brown hat dies auf die Spitze getrieben. Bei Johnny Moores „Three Blazers“ und später als seinem eigenen Bandleader war die Situation krass. Klavier. Bass. Gitarre. Aber die Soli? Nur Brown berührte die Tasten. Die Gitarre blieb im Hintergrund. Es war eine Aussage.
Der Wandel von Los Angeles nach New York
Die ersten Aufnahmen fanden in Los Angeles statt. Labels wie Modern, RPM und Specialty beherrschten den Markt. Kleine Indies. Lokale Klänge.
Dann änderte Atlantic Records das Spiel.
1947 von Ahmet Ertegun und Herb Abramson gegründet. Ertegun war der Sohn eines türkischen Diplomaten. Ein Jazz-Fan. Abramson kannte das Geschäft. Gemeinsam verlagerten sie den Schwerpunkt der Branche nach New York City.
Im Jahr 1953 kam Jerry Wexler als Partner hinzu. Er und Ertegun trieben Rhythm and Blues mit Absicht voran. Sie engagierten Jazzmusiker für Studioarbeiten. Es war ihnen wichtig, wie die Platten klangen. Tom Dowd, der Ingenieur, sorgte für Klarheit.
Atlantic hat nicht nur aufgenommen. Sie starteten Karrieren.
Sie holten Ruth Brown herein. LaVern Baker. Sie haben Ray Charles unter Vertrag genommen. Charles ahmte damals Charles Brown nach. Atlantic half ihm beim Umschwenken. Dieser Dreh- und Angelpunkt wurde zur Seele.
Wexler und Ertegun arbeiteten auch mit Clyde McPhatter und Chuck Willis zusammen. Beide waren in den frühen 1950er-Jahren Giganten.
Auch andere Städte spielten eine Rolle.
King Records in Cincinnati. Schach und Vee Jay in Chicago. Herzog/Pfau in Houston. Sun Records in Memphis, bevor Sam Phillips Elvis und Rockabilly jagte. Das J&M Studio in New Orleans nahm viele Hits für diese LA-Labels auf. Die Karte wurde erweitert.
Die große Divergenz: R&B vs. Rock and Roll
Mitte der 1950er Jahre verschwammen die Grenzen.
Rhythm and Blues war keine Jugendmusik mehr. Es wurde schwarze Popmusik für alle anderen. Rock and Roll hingegen konzentrierte sich auf die erste Liebe. Eltern-Kind-Konflikt. Ein schwererer, weniger subtiler Rhythmus.
Wer hat sich also für welches Diagramm qualifiziert?
Doo-Wop-Gruppen? Rock’n’Roll. Kleiner Richard? Rock’n’Roll. Hank Ballard und die Midnighters? Rock’n’Roll.
Aber die Regeln waren weich. Die meisten Künstler haben Platten veröffentlicht, die in beide Kategorien passen. Dinah Washington, die später als Jazz-Ikone galt, erschien in den R&B-Charts. Saxophoninstrumente von Joe Houston, Chuck Higgins und Sam („The Man“) Taylor blieben in der R&B-Tradition. Dennoch verwendeten Discjockeys sie als Titelmusik für Rock’n’Roll-Radios.
Das Alter des Publikums bestimmte das Genre.
Ältere Zuhörer? Elektrischer Blues aus Chicago und Memphis. Schlammiges Wasser. Heulender Wolf. B.B. King. Obwohl sie mit den von Bands unterstützten Shoutern der Vergangenheit nichts gemeinsam hatten, wurden sie als R&B bezeichnet, weil sie Erwachsene ansprachen. King war ein Ausreißer. Er benutzte Hörner, wenn er konnte. Er blickte mehr zurück als nach vorne.
Ike Turner überbrückte die Lücke.
Ein Pianist wurde zum Gitarristen aus Mississippi. Er suchte nach Talenten für Labels. Er war Frontmann der Kings of Rhythm. Als er Anna Mae Bullock heiratete und sie in Tina umbenannte, entstand die Ike and Tina Turner Revue.
Sie haben den Sound modernisiert. Keine Hörner. Weibliche Backgroundsängerinnen nach dem Vorbild der Raelettes von Ray Charles. Es war enger. Schwerer.
Das Ende einer Ära
1960 war Rhythm and Blues in die Jahre gekommen.
Es war nicht tot. Einfach müde.
Washington. Charles. Ruth Brown. Sie spielten jetzt in Nachtclubs. Nicht die Multiperformer-Revuen, die sie berühmt gemacht haben.
Es entstanden neue Namen. Jackie Wilson. Sam Cooke. Sie schuldeten der vorherigen Generation etwas. Aber sie waren vorübergehend. Wie Charles bauten sie Seele auf.
Das offizielle Zeichen des Wandels kam 1969.
Am 23. August änderte Billboard den Namen der Black-Pop-Charts. Es war kein Rhythm and Blues mehr. Es war Seele.
Seele wurde zum bevorzugten Begriff.
Aber R&B ist nicht verschwunden. Es blieb. In manchen Ecken bezieht sich der Begriff immer noch auf fast jedes Genre der schwarzen Musik nach dem Zweiten Weltkrieg. Ein breiter Regenschirm. Ein bleibender Geist.
Die Musik ging weiter. Das Label blieb zurück.
Das Label Rhythm and Blues änderte völlig den Gang, nachdem die Beatles die Tür aufgestoßen hatten. Britische Gruppen haben nicht nur den Sound kopiert; Sie definierten neu, was der Begriff bedeutete.
Nehmen Sie die Rolling Stones. Sie spielten keinen reinen Chicago-Blues. Sie mischten es mit Black Rock and Roll und nannten es trotzdem R&B. Es war sowohl ein Marketing- als auch ein musikalischer Schachzug.
„Heute folgt eine Band, die sich als Rhythm and Blues bewirbt, mit ziemlicher Sicherheit eher dieser Tradition als der der frühen Pioniere.“
Sogar The Who, die tief in der Mod-Rock-Szene verwurzelt waren, brandmarkten ihre frühen Auftritte als „Maximum R&B“. Warum? Um eine Menge anzulocken. Es hat funktioniert.
Wer wurde in das R&B-Label aufgenommen?
Diese britische Welle schuf eine neue Rubrik. Es ging nicht nur um die Blues-Puristen.
- Die Tiere
- Sie
- Die schönen Dinge
Diese Acts blieben dem R&B-Tag treu. Aber es war nicht universell. John Mayalls Bluesbreakers und Fleetwood Mac bevorzugten die einfachere Bezeichnung „Bluesband“. Die Unterscheidung war wichtig dafür, wie das Publikum sie wahrnahm.
Das Erbe ist klar. Wenn Sie eine moderne Gruppe sehen, die den R&B-Titel für sich beansprucht, übernehmen sie wahrscheinlich die Strategie der britischen Invasion. Nicht die ursprünglichen afroamerikanischen Pioniere der 1940er Jahre. Aber die britische Neuinterpretation nach den Beatles.
Die Definition blieb hängen, weil das Marketing besser funktionierte als die Geschichte.
